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domingo, 25 de marzo de 2012

CERATI/ MELERO – COLORES SANTOS, 20 AÑOS DESPUES

Se cumplen 20 años de la edición de Colores Santos el disco a dúo entre Gustavo Cerati y Daniel Melero, a comienzos de la década del noventa el rock nacional estaba mutando, absorbiendo como nunca las influencias de diferentes corrientes alternativas, el desembarco de la música electrónica de manera masiva con las ascendentes fiestas raves y su fusión con el rock, discos como Screamadelica de Primal Scream o Doubt de Jesus Jones nos mostraban esa formula de combinar el dance con las guitarras, aparecieron los samplers y el abanico para crear música no solo se reducía a la forma convencional de componer melodías con la guitarra o el piano sino que sobre fragmentos de otras canciones o repitiendo bases electrónicas se podían crear nuevas melodías, algo que el hip hop ya venía haciendo desde principios de la década del ochenta.
Colores Santos fue la unión del líder de Soda Stereo en su momento mas popular, veía de convocar 250.000 personas en la Av. 9 de Julio junto al músico de culto, elitista para algunos, el productor under por excelencia Daniel Melero, el rocker y el tecno juntos, pero su camino ya había comenzado diez años antes, Soda grabó Trátame Suavemente en su primer disco allá por 1984 tema que Melero había compuesto para su banda Los Encargados y en 1990 se sumo al trío para co producir Canción Animal.
El anhelo de hacer algo juntos se materializó con esta bomba musical, Colores Santos es un disco que tiene muchos condimentos de experimentación sonora, guitarras procesadas, voces susurradas, climas ambient, pero nunca deja de lado la estructura de canción pop.
El viaje empieza con “Vuelta por el Universo” base electrónica espacial, la voz de Cerati suena mas suave y relajada casi aterciopelada junto a los coros de Melero guitarras eléctricas y acústicas se unen sobre el final del tema dándole un toque mas rockero a esta gran canción de electro pop. “Marea de Venus” uno de los temas más tecnos del disco, la letra juega con diferentes nombres de chicas y sus esteriotipos, el riff de guitarra es soberbio y es la muestra perfecta de una canción dance rock. “Cozumel” trip hop nacional, base down tempo la voz de Melero al frente, una guitarra fantasmal y una melodía somnolienta. 

“Quatro” primer pasaje instrumental del álbum para bailar, “Pudo Ser” el temas mas seductor, la voz de Carola Bony sugerente y sensual. “Hoy ya no soy yo” segundo corte del disco es una canción melodiosa de base acústica y ritmo beat. “La Cuerda Planetaria” de la autoría exclusiva de Melero vuelve a las bases electro y los ambientes house. “Madre Tierra” segundo instrumental se destaca la trompeta de Flavio Etcheto.

“Tu Medicina” dedicada al padre de Cerati fallecido por aquella época, con guitarras al frente y una letra de alto vuelo emocional. Con “Alborada” llega el momento mas experimental, guitarras en trance, sonidos misteriosos es el tercer tema sin letra… toda una rareza para la época. El último tema es el que le da nombre al disco “Colores Santos” es quizás la canción mas Soda de todo el álbum. Las letras de Colores Santos rondan alrededor de la psicodelia cósmica, viajes universales, planetas y turbulencias. 
A los pocos meses de editado el disco, que nunca fue presentado en vivo, Soda Stereo editó Dynamo nuevamente con la co producción de Melero el cual es un eslabón mas en la evolución sonora del trío y de Cerati en particular, con un obsesivo trabajo en los sonidos de las guitarras y mucha electrónica hasta el punto de preguntarse si ¿la música estaba en los cables? ….
Colores Santos es un disco que suena moderno hasta el día de la fecha por mas que hayan pasado veinte años es la piedra fundacional del electro pop nacional , un disco en el que sus compositores se dedicaron a jugar y experimentar con el estudio como un instrumento mas de la composición. Se iniciaba en Argentina el denominado movimiento de rock sonico y bandas como Juana La Loca, Babasonicos, Martes Menta y Tía Newton darían sus primeros pasos con trabajos que realmente renovaría y daría una bocada de aire fresco al rock nacional.
Lean Ruano.-

jueves, 15 de marzo de 2012

AIR - LE VOYAGE DANS LA LUNE

Nuevo trabajo para el dúo francés conformado por Nicolas Godin y Jean-Benoit Dunckel, la música de Air siempre recorrió la senda entre el electro pop, el trip hop y las atmósferas ambient, cuando deslumbraron con su primer trabajo Moon Safari (1998) y su ultra hit “Sexy Boy” sonaba sin parar en todos los rincones chill out del mundo era el momento que para ser “cool” tenías que escuchar pop francés artistas como Phoenix, Daft Punk o Sebastien Tellier estaban en boca de todos. El furor pasó pero Air sobrevivió, aunque de todas formas nunca volvieron a igualar el éxito de su disco debut pero se las ingeniaron para hacer excelentes álbumes de electrónica (pop)ular como Talkie Walkie (2004) y Pocket Symphony (2007). Los climas musicales que tejen los Air en sus trabajos siempre tuvieron un dejo de soundtrack espacial ya en el debut cinematográfico de Sofia Coppola “The Virgin Suicides” (2000) el dúo francés había aportado magistrales pasajes instrumentales y una de sus canciones mas logradas “Playground Love”.
En este nuevo proyecto se encuentran ante el desafío de musicalizar una película restaurada del gran Georges Melies que data de 1902, el director de Lobster Films; Serge Bromberg fue quien le pidió a los Air que se hicieran responsables de ponerle sonido a este maravilloso proyecto, un poco más de media hora de música sirve para realizar este trip lunar los climas y las melodías se entrelazan a la perfección con el colorido de las imágenes del cortometraje restaurado, su presentación en el Festival de Cannes fue de gran acogida para público y prensa.

La belleza musical de Le Voyage Dans La Lune radica en cierta psicodélica espacial de temas como “Moon Fever” o “Sonic Armada”, aunque, también de tanto volar por la galaxia a veces conviene poner los pies sobre la tierra con canciones como “Seven Stars”, “Parade” le da el touch mas pop y “Astronomic Club” cierta solemnidad pomposa, cabe destacar el aporte vocal de Victoria Legrand de los ascendentes Beach House.

Estamos frente a un disco experimental y bello a la vez con todos los condimentos que Air le puede aportar lo cual no es poco, como toda banda de sonido sin su soporte visual carece de cierto sentido pero este nuevo trabajo de los franceses de todas maneras se deja disfrutar si es a la luz de la luna mejor.
Lean Ruano.-

martes, 6 de marzo de 2012

TINDERSTICKS - THE SOMETHING RAIN

Surgidos de la escena Indie británica de comienzos de la década del noventa, Tindersticks nació como sexteto en la ciudad de Nottingham liderados por el vocalista y guitarrista Stuart Staples, por aquellos años cuando el mundo entero se arrodillaba ante las pegadizas melodías del brit pop, Tindersticks proponía una estética mas poética con un marcado perfil de oscuro romanticismo sus arreglos orquestales eran mas solemnes y la voz de Staples una mezcla entre Leonard Cohen y Scott Walker. Sus dos primeros álbumes Tindersticks (1993) y Tindersticks II (1995) mostraban el particular sonido del sexteto, a la voz de crooner de Staples se le sumaban exquisitos arreglos de cuerdas, vientos, vibráfonos etc. Tindersticks se mostraba como una verdadera orquesta de rock y desarrollaba una amplia paleta de colores en sus sonidos, pero su obra cumbre llegaría en 1997 con el álbum Curtains instalando el clásico "Ballad of Tindersticks”.
Tras la edición de su sexto álbum Waiting for the Moon (2003) las cosas cambiaron, sobrevino una crisis creativa interna que daria como resultado varios cambios de formación, Stuart Staples le dedico la mayor parte del tiempo a su carrera solista y luego de cinco años deciden volver a grabar The Hungry Saw (2008) y Falling Down a Mountain (2010) ambos trabajos no se caracterizaban por la fuerza y el temperamento de antaño mas bien sonaban lago sosos y hasta aburridos en algún punto, escuchar un disco entero de Tindersticks se había tornado en una tarea tediosa, se habían perdido los exquisitos arreglos orquestales y cierto dramatismo en sus composiciones para darle paso a canciones con estructuras mas directas.
Este nuevo trabajo The Something Rain y ya establecidos como cuarteto parece venir a poner las cosas en su lugar nuevamente, “Chocolate” es la encargada de abrir el fuego y se trata de nueve minutos de un spoken word que va increcendo hasta explotar al final con unos estridentes arreglos de vientos para ubicarla al lado de “My Sister” de su segundo trabajo , también muestra sonidos ya característicos de la banda como la cabaretera “Show me Everything” y el pop de salón de “This Fire of Autumn”. Lo mejor del álbum llega con la tranquila y nostalgiosa “A Nigth To Still” y la belleza melódica y psicodélica de “Come Inside”, los arreglos de saxo de “Slippin’ Shoes” también marcan un punto alto en este disco.
Creo que este álbum es un buen trabajo comparado con sus dos últimas entregas pero ni por asomo se acerca a los días de gloria de cuando Tinderstick era un sexteto y sus oscuras melodías sonaban creíbles y emocionantes algo que por ahora están lejos de volver a alcanzar.
Lean Ruano.-

Strawbs - Just a Collection of Antiques and Curios

Este álbum -grabado en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres, el 11 de julio de 1970- fue todo un hito, no solo por ser el primer disco de los Strawbs editado en los Estados Unidos, sino también por lanzar a la consideración popular a uno de los mas grandes músicos que haya dado el rock progresivo: Rick Wakeman, un brujo de los teclados. Si bien aun nadie podía prever que Wakeman –hasta ese memento un joven y cotizado sesionista- se convertiría luego en una súper estrella del rock con peso propio; ya desde el vamos, este show fue muy promocionado, con anterioridad a su realización, lo que originó que haya sido presenciado por buena parte del mundillo musical del Londres de la época, entre ellos Chris Squire y Jon Anderson, núcleo central de Yes, quienes se entusiasmaron mucho con el rubio tecladista. Ya desde su llegada al grupo, Rick Wakeman le había dado toda su magia interpretativa a Straws, quienes hasta ahí no habían sido mucho mas que una banda de folk, con influencias varias desde iban desde Bob Dylan hasta los Fairport Convention. Por eso, sería recién en este disco en vivo, de impecable sonido (producido por Tony Visconti), en donde el grupo terminaría de redondear su viraje estilístico, volviéndose –ahora sí- más interesante su propuesta musical. En este show, Wakeman se luce, especialmente en una composición, basada en un solo de piano, intitulada "Temperament for a Mind”. Y sería dicho tema el que lanzaría en forma casi masiva el nombre del joven tecladista –entonces, de sólo 21 años- a la consideración de la prensa musical inglesa, que terminarían calificando a Wakeman como un músico "prometedor”. Sin embargo, Rick ya era bastante conocido –y requerido- dentro del mundo de la música, en base a sus actividades como sesionista. Por ejemplo, cuando había tocado el melotrón en el clásico "Space Oddity", del disco de David Bowie (1969), primer éxito del duke blanco. Volviendo a este disco en vivo, The Straws hace aquí un salto cualitativo, que va desde el “folk" (a secas) hasta el "folk-rock". El grupo aun tocaba –salvo Wakeman- con instrumentos acústicos, pero será, justamente, debido al suceso de este álbum que luego se endurecería el sonido de la banda, acercándolos más al rock; aunque Rick ya no era de la partida para entonces; pero seria a partir de “A Collection of Courius” en donde el Strawbs mas acústico de los primeros discos empezaría lentamente a divagar en un estilo musical bastante mas estridente. Esto se verá reflejado con creces en -su siguiente álbum en estudio- From the Witchwood, el útimo que contó con la participación de Wakeman. Curiosamente, sólo recién luego de la partida de Rick, la banda se volvería mucho más progresiva, inaugurando una etapa que duraría hasta mediados de la década de los '70.
 La edición remasterizada de Just a Collection of Antiques and Curios incluye también tres nuevos temas que aparecían en la edición original. Uno de los temas mas destacados de este disco es el épico de nueve minutos "Where Is the Dream of Your Youth", en el que Wakeman modificó casi por completo la versión original de estudio. Otro de los temas incluidos recién en la versión remasterizada en CD es el soberbio "Vision of the Lady of the Lake", que incluía una destacada labor de Cousins y Wakeman. Mientras que en "We'll Meet Again", Cousins -quién tiene una voz parecida a la Ritchie Havens y/o (por momentos) Cat Stevens- canta mejor que nunca. El disco cierra con "Forever", un tema que incluye arreglos sobregrabados en estudio. Otro de los mejores temas del disco es la hermosa balada de Cousins "Song of a Sad Little Girl", una canción que el cantante le dedico a su hija víctima de la fiebre, en donde se puede apreciar una emotiva labor de Wakeman en piano. Así que, a pesar de no ser un álbum 100 % de “rock sinfónico", es bastante interesante y tiene momentos muy atractivos y recomendables, entre ellos la labor de John Ford al bajo durante todo el disco.
Resumiendo, buen disco en vivo, que se deja escuchar, aunque sea solo para apreciar que podía plasmar -dentro del acotado ámbito de una banda "folk"-, desde su más tierna juventud, ese prodigio musical que se llama Rick Wakeman.
Emiliano Acevedo.-