Seguinos vía Facebook

Buscanos en Facebook como Secuencia Inicial y agreganos a tu perfil, compartimos videos y novedades.

lunes, 27 de agosto de 2012

LAS CLAVES DE UN MUSICO BIEN ILUSTRADO, entrevista con Axel Krygier



Axel Krygier (Buenos Aires, 1969) es un músico multifacético, compositor e intérprete argentino, siempre abocado a la grabación y las performances en directo. Será por todo eso que, debido a su incesante labor profesional, parecía bastante complicado poder llevar a cabo (y terminar) esta entrevista, que comenzó, vía chat, en diciembre del año pasado. Sin embargo, no nos rendimos y seguimos adelante en nuestro empeño para que Axel formara parte de nuestra sección Conversaciones Iniciales. Y por fin se dio, gracias también a su interés, ganas y buena onda, poco antes de que emprendiera un viaje a Europa… Así pudimos conseguir que repasara con nosotros toda su trayectoria como músico. Desde sus comienzos juveniles hasta su actualidad como respetado músico solista, además de su trabajo como compositor de bandas sonoras de filmes y obras teatrales; aquí está la voz y la visión de un artista muy especial. Porque Krygier no es solamente una persona inquieta, a secas, sino también un autentico explorador de diversas texturas y ámbitos musicales, un tipo totalmente ajeno a cualquier indicio de anquilosamiento. Estas son solamente algunas de las razones por las que es un placer para este blog publicar esta nota. Nada más ni nada menos… 
Por Emiliano Acevedo.-

BENDITA EDUCACIÓN MUSICAL 

¿Como fueron tus inicios en la música? 
Con mi familia íbamos a muchos recitales. Así, a los 10 años ví a Jaco Pastorious en Weather Report usando una máquina de eco y eso me partió la cabeza. Ya desde ese entonces el uso de tecnología en la música me resultó muy atrayente. Otro hito que recuerdo fue ver a Egberto Gismonti tocando la flauta traversa, a dúo con su flautista. Ahí me morí y le pedí a mis padres que me regalaran una flauta traversa. Así fue que en el secundario comienzo a tocar con la orquesta del colegio. Allí conocería a los que serían mis colegas durante muchos años. Por ejemplo, Alejandro Terán, con quién formamos los vientos de varios grupos, desde Los Cafres a Soda Stereo pasando, claro, por La Portuaria y Los Pericos. En esa época, básicamente, nos divertía improvisar y crear nuestras propias deformidades. Mientras tocaba cono esos grupos que te mencioné también comencé a grabar mis propios temas, pero pasaron algunos años hasta que me animé a publicar mi música. Además, esto justo coincidió con el avance tecnológico, a nivel de la grabación casera, que a nivel de la edición también favorecería la aparición de muchos sellos independientes que tenían ganas de publicar lo que los músicos estaban haciendo en sus casas.

¿Pensás que el clima de ebullición artística y musical que se vivía en ese colegio secundario de Vicente López, del que surgirían tantos grupos que se harían famosos luego, estaba íntimamente relacionado con esa época, pero que ahora seria más difícil que ocurriese un fenómeno semejante? 
Bueno, pienso que como en todas las cosas, en la música tienden a armarse ambientes, círculos. Creo que lo que ocurrió en ese tiempo fue que la gente de un determinado grupo social se terminó juntando en un mismo colegio. Para mí, ahí lo más interesante fue toda la mixtura que se generó porque era un colegio del estado, y que estaba ubicado en el Conurbano, del lado de la provincia, no en Capital. Por eso podía aparecer allí, por ejemplo, un tipo como Terán, que, en cierto modo, era todo lo opuesto a mi origen, y tocar conmigo. Ese sería el caldo más rico: juntar un poco de belgranenses “hijos de intelectuales” (aunque este mote sea un tanto inexacto) con otra gente de pocos recursos pero con talentos inmensos. 

Justamente, en la entrevista que le hicimos, Alejandro nos contaba de esos años que compartieron en el colegio. También te recordó Pol Medina –otros de nuestros entrevistados-, quién contó como vos le recomendaste a un eminente profesor de piano llamado Klaus. ¿Cómo es esa historia? 
Pasó que, después de estudiar durante más de 8 años la flauta traversa, decidí que ya era suficiente, que yo no quería ser concertista de ese instrumento. Así fue que me metí a estudiar armonía, audioperceptiva, etc. Hasta que a los 20 años me di cuenta de que yo no sabía armonizar una melodía, que a pesar de conocer la teoría no podía acceder a ese conocimiento de forma práctica. Ahí apareció Klaus Cabjolsky en mi vida. Klaus había sido el profesor de piano de Marcelo Arbiser, alias El Colo, a quién conocí a través de Tom Lupo y Luca Prodán. Fue en ese programa de radio en donde nos encontramos, el lugar donde el Colo estaba haciendo una imitación de Klaus.  Cuando nos conocimos un poco más, un día me llamó para decirme que ya le había avisado a Klaus que yo lo llamaría por teléfono. Así fue que una tarde llegué al oscuro departamento del gran Klaus, ubicado en el edificio Calmer, en Defensa y Belgrano, pleno barrio de San Telmo. Al principio me dio miedo, pero, a las pocas clases, ya estaba anotando cada frase que me decía. Él te enseñaba usando unas metáforas increíbles y graciosas como, por ejemplo, una que decía que los dedos eran marineros cargando bolsas de papas, y súbitamente (había que pasarles) ¡¡¡más papas, más papas…!!! Klaus tenía un conocimiento increíble de las obras de Bach, Beethoven, Mozart, etc.; y siempre insistía con su lema sobre el deber de "hacer de cada toque un acontecimiento". Por todo eso, siempre, el conocimiento clásico de Klaus me apabulló, y durante años intenté absorber todo lo que más podía de su persona. También yo comencé a imitarlo. Por todo eso creo que se convirtió en una presencia omnisciente en mi vida durante aquellas épocas. Por eso lo recomendé como profesor de piano a muchos, y así llegaron a estudiar con él gente como Pol Medina, Christian Basso, Juan Pablo Absatz, etc... 

¡¡¡ECHALE SEMILLA, NOMAS!!! 

Habiendo tocado flauta traversa y piano, ¿que grupos y artistas te gustaba escuchar en esas épocas? Se me ocurren ejemplos como Focus, Jethro Tull, obvio, Los Beatles... ¿Cuáles más? 
King Crimson, Gong, Genesis, Peter Gabriel, Pescado Rabioso, Almendra, Manal, Charly (García)... Y no pasaría mucho tiempo hasta llegar a David Bowie, Talking Heads, Laurie Anderson, Lou Reed, y el primero de Los Twist, Fricción, Soda, y todo el ochentismo tan querido; pero eso ya estaba más cerca, gracias al gran (Fernando) Samalea, que fue un pilar en mi desarrollo…

¿Y de que manera Samalea fue crucial en tu crecimiento musical? 
Primero, porque me invitó a ver a Fricción en el Stud Free Pub, un lugar donde pude darme cuenta en un minuto de que me tenía que cortar el pelo… (risas) Y, luego, porque me insistió para que le llevara mi material a Javier Tenenbaum, quien en ese momento estaba comenzando a pensar en armar un sello discográfico. Además, más tarde, sumándose al Sexteto Irreal, Fernando le dio un sentido y un power al proyecto, que jamás hubiera tenido sin su presencia. Es un capo, ¿que más te puedo decir? 

Apenas terminas tu época estudiantil, en ese colegio de Vicente López, ¿arrancas de lleno con tu actividad como músico profesional o antes tuviste que trabajar de otra cosa? 
No, no terminé, duré hasta 3er año, así que mi etapa estudiantil no duró tanto... Pero, por suerte, mis viejos lo entendieron y me pagaban las clases de piano y flauta. Así que sí, me dediqué de lleno. Yo venía ensayando tanto que si seguía en el colegio no hubiese tenido tiempo para estudiar y eso me angustiaba. 

¿Había antecedentes musicales en tu familia? 
Tan solo por gusto, mi viejo tocaba un poco de guitarra y piano, y mi vieja era muy amante de la música clásica, sobre todo; mi abuela tocaba el piano, y quizás mi abuelo había tocado el clarinete cuando joven, pero nadie se había puesto en serio a desarrollarse como músico antes que yo… 

¿Cómo y cuando se forma Instrucción Cívica? 
Bueno, Kevin Johansen iba al mismo colegio que mi hermana, y por ella se enteró de que yo era flautista. Así fue como decide contactarme porque él estaba queriendo armar un proyecto más tranqui en plan solista, medio en una onda folklórica. Yo acepte su propuesta y fui a un ensayo, y ahí nos hicimos amigos. Luego, yo le presenté a Terán para el grupo de rock, que en ese entonces todavía se llamaba Zaratustra y que al grabar se convertiría en Instrucción Cívica. En ese primer disco, yo me tuve que contentar con grabar la flauta en un tema, y al poco tiempo me pude comprar un saxo, y enseguida ya estábamos haciendo giras… 

¿Y por qué se separaron? 
Fue por un desacuerdo entre Kevin y Julián Benjamín, los lideres del grupo. 

SENDERO LUMINOSO 

¿Cómo resumirías tu paso por La Portuaria? 
Comencé a tocar con La Portuaria como invitado en la sección de vientos tocando el saxo barítono; fue durante las últimas presentaciones de Rosas Rojas (1988), su primer disco. A eso le siguió la grabación de Escenas de la Vida Amorosa (1991), en donde pude integrarme creativamente haciendo algunos arreglos y coros. Ese fue el momento más idílico de mi paso por el grupo. Luego vino Devorador de Corazones (1993), donde los músicos invitados (Sebastián Schachtel, Alejandro Terán y yo) fuimos integrados full time a la banda. Con ese disco hicimos una gira inmensa que concluyó con un mega show en el estadio Obras, que incluyó la participación del grupo De la Guarda. Con ese envión fuimos a New York a grabar Huija (1996). Esos fueron días muy agradables, compartiendo la caminata matinal hacia el estudio en pleno Soho, con mi amigo Terán. Además, luego, se hicieron lindas presentaciones de Huija, pero el grupo ya comenzaba mostrar una disfuncionalidad evidente. En el ´96, más o menos cinco años después de mi llegada, el grupo, finalmente, se separó. Años después fui invitado a la reunión de La Portuaria, pero yo ya había comenzado mi camino solista y no me tentó la idea. 

Poco después de la separación de La Portuaria acompañaste a Soda Stereo en su última gira, en el ´97. ¿Qué recordás de esa experiencia? 
De mi experiencia con Soda recuerdo con cariño todo el proceso; desde los ensayos con el grupo en el agradable estudio de Belgrano, a los viajes ultra organizados, y los mega conciertos. Me sorprendió mucho la libertad que teníamos para hacer los arreglos, y la calidez de los tres sodas. El equipo que viajaba junto a ellos era genial: Edu Bergallo en monitoreo, (Eduardo) Capilla como encargado de la puesta en escena, Tweety (González), Terán… Fue todo muy divertido y muy intenso. 

¿Cómo fue el proceso de grabación de Secreto y Malibú (2003)? 
La grabación de Secreto y Malibú se realizó al mismo tiempo que se iba creando la obra homónima de danza-teatro; yo generaba temas en base a las ideas propuestas, y enseguida los probábamos en ensayos con las bailarinas. Para la edición del álbum, re-trabajé la forma de los temas más allá de las exigencias de la pieza. 

Hablando de eso, ¿cómo pensás la música que escribís para las bandas sonoras de las películas, las obras de teatro y danza? ¿Te dan el guión antes, o un esbozo de idea? 
Para componer la banda original de una película, se parte del guión y de conversaciones con el director, donde se decide la instrumentación y el color general de la música. Se escuchan referencias, propias o ajenas. Luego el trabajo se realiza con la película ya completamente editada (aunque esto no siempre es así). Voy pasando mis bocetos sobre la imagen al director, y una vez aprobados se graba la versión definitiva. Desde ya, esto es aproximativo, porque hay muchas maneras de resolver un score. En una obra de danza o teatro, en general se trabaja de forma simultánea; asisto a los ensayos y vuelvo con ideas y bocetos que se prueban y se modifican según haga falta, hasta llegar a una forma definitiva. A diferencia de la realización de mis álbumes, donde me tomo muchísimo tiempo para editar y mezclar, en la danza y el teatro, así como en el cine, la velocidad de producción es muy alta. 

¿Y cómo pensaste tu disco Zorzal (2005), de donde surgió tu inspiración? 
Zorzal fue concebido durante mi estadía en Barcelona, lugar en el que las culturas árabe y africana tienen mucha presencia. Fue en esos tiempos en los que escuché por primera vez las viejas grabaciones de Ethio Jazz de Mulatu Astatke, al tiempo que compartía jams con músicos africanos y árabes. Todo eso influyó sobre el color general del disco. Después, volví a vivir a la Argentina y me rencontré con Samalea, con quien grabé las baterías; y luego trabajé arduamente con Manuel Schaller en la post producción. 

RE-FORMANDO LA MÚSICA 

¿Cómo llegaste a elaborar en tus trabajos esa mixtura de estilos que incluye música criolla, la canción francesa y el a gogó
La mezcla de estilos tiene su origen en la variedad de mis gustos. Cuando era adolescente, tocaba la flauta en un grupo de folklore y me gustaba muchísimo; y al mismo tiempo era fan de la new wave y tocaba el saxo en un grupo de rock. Cuando empecé a grabar mis cosas busqué comunicar los dos universos a los que pertenecía. Con el tiempo fui sumando otros mundos musicales, adoptando nuevos grooves y estilos, descartando unos y conservando otros. Es como hacer un fuego, para que dure hay que aportar nuevas ramas. 

¿Cómo definirías la música que hacen en el Sexteto Irreal? 
El Sexteto Irreal es un grupo netamente de performance en vivo, y su punto más fuerte es el de la improvisación, ya sea a partir de una composición de alguno de sus integrantes, como también en la invención de temas en el mismo instante de tocar. El Sexteto no ensaya, hace “ensa-shows” (sic). 

¿Cuáles son los planes del grupo a futuro? 
Los planes del Sexteto dependen del sexto integrante, Frank Di Pascuale, manager de la banda, que cual Charly a sus Angeles, nos dice: “Muchachos, tenemos una misión…” 

Alguna vez dijiste que al rock argentino le faltaba riesgo. ¿Seguís pensando lo mismo? 
Lo de “al rock argentino le falta riesgo” fue una afirmación que respondía no me acuerdo a qué reflexión, pero que no me parece cierta. Al que le falta riesgo es al periodismo musical de los medios más o menos masivos, que no hace crítica de conciertos, y permanece cerrado a lo que no sean tendencias evidentes. 

¿Qué canción de otro te hubiese gustado escribir a vos? 
Al escuchar una bella canción el placer es tan grande que uno puede llegar a desear haberla escrito o a reprocharse el no haber escrito algo tan bello; pero, finalmente, pienso que componer música tiene algo único como la huella dactilar, es decir, a cada uno le corresponde decir lo suyo. Dejando esa cháchara de lado, “Total Interferencia” (del disco Piano Bar (1985), escrita por Charly y el Flaco Spinetta (al menos está firmada por ambos), es una de las más bellas canciones que conozco, pero… Qué lindo que la hayan escrito ellos, ¿no? 

Elegí, una película, un libro, un disco y un concierto que te hayan marcado 
Demasiados libros, pelis y conciertos me han marcado. Aquí va pues mi arbitraria selección: Una película: “District 9” de Neill Blomkamp. Un libro: “Guerra y Paz” de León Tolstoi. Y un concierto: Serú Girán y Spinetta Jade en Obras, 1980. Yo tenía 11 años… 

¿En qué estás trabajando ahora? ¿Cuales son tus proyectos en el futuro inmediato? 
En octubre termina la gira europea de presentación de mi disco “Pesebre” (2009), que vengo llevando a cabo desde el año pasado junto a Juan Ravioli (guitarras y coros) y los franceses Jean Thevenin (batería) y Mat Warsky (bajo, teclados y coros). A lo largo de unos 50 conciertos fue constituyéndose un auténtico grupo, diría que el primero en el que me siento verdaderamente contenido. Mientras tanto estoy maquetando y pre-produciendo lo que será mi próximo álbum. Cuento con la ayuda de Juan Ravioli, y el plan es realizar grabaciones con el grupo, algo muy distinto de lo que hice en mis discos anteriores.
Secuencia Inicial.-

PATTI SMITH - BANGA (2012)

La princesa del punk esta de vuelta, en realidad nunca se fue aunque su último trabajo con canciones de su autoria data del año 2004 Trampin, y entre medio nos había entregado aquel disco de covers en homenaje a algunos de sus autores preferidos (Kurt Cobain, Jagger / Richards y Hendrix entre otros) llamado Twelve (2007), ella siempre estuvo presente más dedicada a la escritura que a la música es verdad, editó su autobiografía “Eramos unos niños” libro en el cual refleja sus años junto al fotógrafo Robert Mapplethorpe en la Nueva York de los años 70’s o filmando “Socialism” (2009) bajo las órdenes de Jean-Luc Godard
Cuando Patti Smith saltó a la luz en el mundo de la música a mediados de década del '70 con el imprescindible Horses - el cual estaba producido por el Velvet Underground, John Cale - la escena musical neoyorquina giraba en torno al mítico club CBGB de Manhattan, lugar donde una joven Smith entablaría amistades con los mas diversos músicos de la ascendente escena punk y new wave que terminaría explotando a finales de esa misma década con bandas como Television , Ramones o Talking Heads un verdadero semillero de grandes artistas. 
Ahora nos llega su trabajo número once Banga, título inspirado en el perro de Poncio Pilatos de la novela “El Maestro y Margarita” del escritor soviético Mijail Bulgakov. Desde su renacer musical en 1995 Patti Smith, viene siendo recurrente con su temática en las letras de sus canciones continuamente navegando alrededor de los homenajes a sus seres queridos difuntos o a otros artistas que la hayan marcado e influenciando a lo largo de su carrera. En esta ocasión la cosa no es menos, hay tributos a Amy Winehouse en la canción “This is The Girl”, en“Maria”a la actriz Maria Schneider reconocida por su labor en la película “El Último Tango en París” (1972) junto al genial Marlon Brando y fallecida el año pasado, así también al cineasta ruso Andrei Tarkovski en “Tarkovski (The Second Stop is Jupiter)” inspirada en una idea original del músico vanguardista Sun Ra. 
Este nuevo trabajo es mas reposado por sus arreglos de cuerdas, sus guitarras acústicas y canciones con tonadas mas pop como “April Fool” acompañada por la guitarra de Tom Verlaine, también se destaca el tema “Banga” de lo mas filoso que podemos encontrar en el álbum con Johnny Depp en guitarra y batería, y como no podía faltar algún cover el disco cierra con “After The Gold Rush” el clásico de Neil Young uno de los compositores preferidos de la Smith. Quien por mas que siga escribiendo sobre la muerte esta mas viva que nunca. 
Lean Ruano.-

lunes, 20 de agosto de 2012

SMASHING PUMPKINS - OCEANIA

En varias oportunidades ya hemos hablado de cómo les ha costado sobrevivir a las grandes bandas de la década del noventa el inicio de un nuevo milenio, y son pocas las que han sabido mantenerse y no claudicar en la monotonía sonora, o vivir de reunión en reunión permanente. El grupo liderado por Billy Corgan no podía ser la excepción.
Con grandes discos en su haber, sobre todo la trilogía inicial de la banda que es sencillamente demoledora Gish (1991), Siamese Dream (1993) y sobre todo el doble Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), marcaron a una generación de jóvenes con la melancolía y la depresión pre emo a flor de piel. Himnos de la pluma de Corgan como “Disarm”, “Today” y “Tonight, Tonight” fueron los soundtrancks ideales para estas almas desangeladas. Ya han pasado doce años desde que la formación original de la banda se disolvió y tras varios intentos fallidos, ya sea como solista The Future Embrace (2005) o con su proyecto Zwan Mary Star of the Sea (2003), la carrera de Billy Corgan parecía que no volvería a ser lo que alguna vez fue; y si a esto le sumamos el tibio regreso con formación nueva de Smashing Pumpkins en el 2007, con el flojísimo álbum Zeitgeits, la cosa parecía no tener retorno para el bueno de Billy
Quien como el ave fenix ha sabido renacer de las cenizas y nos entrega su mejor obra en años, Oceania el nuevo trabajo de los Samshing Pumpkins, del cual es el único miembro original, es un álbum que regresa a las fuentes con demoledores riffs de guitarras en temas como “Quasar”, “Panopticon” o “The chimer”. También tienen lugar las canciones acústicas y orquestadas para acompañar esas nostálgicas melodías que ya son un sello de Corgan en “The Celestials” o “Pinwheels”. Hay un mayor uso de los teclados, los sintetizadores y algunos coqueteos de loops electrónicos pero, lo mas destacable es que es un álbum con muy buenas canciones “Glissandra” y “Pale Horse” dan sobrada cuenta de esto, por mas que las estructuras y ciertos arreglos nos hacen acordar a los días de gloria de la banda, esto no huele a naftalina sino a un nuevo comienzo a un renacer en la carrera de Smashing Pumkins, o sea, de Billy Corgan y eso sí es una buena noticia. 
Lean Ruano.-

JOHN LENNON - IMAGINE (1971)

Imagine (publicado en septiembre de 1971) fue el segundo álbum de John Lennon, y a la postre su trabajo más popular. Un disco repleto de canciones maravillosas, varias de las cuales contenían espectaculares arreglos de cuerda. Fue un álbum grabado, casi en su totalidad, en el estudio personal que el ex beatle había construido en su mansión de Tittenhurst Park, la misma en donde Los Beatles realizaron su última sesión fotográfica juntos, y que después John le vendería a Ringo
Seguramente, gran parte del éxito del álbum se deba a su tema homónimo, “Imagine”, que se convertiría en un himno a nivel mundial, así como una de las canciones más reconocibles y paradigmáticas de la carrera de Lennon... ¿Qué otra cosa podríamos agregar de este tema que no se haya dicho aun? Usted no sabe, yo tampoco; así que sigamos…
Alguna vez, en el programa de televisión Play Time, Gustavo Cerati eligió a “Jealous Guy” entre sus canciones preferidas, diciendo que era una melodía pop perfecta, casi imbatible. Y algo, o mucho, de eso hay ya que “Jealous Guy” es una canción hermosa, inigualable. Una historia con la que se pueden sentir identificados millones de muchachos celosos alrededor del mundo… Tantas inseguridades, tantos temores –muchas veces en vano- descriptos en forma certera en estas líricas… Y es que John Lennon, a pesar de ser la figura de la estampita, del póster; era tan dolorosamente humano como usted, yo, y el de enfrente: un tipo inseguro, neurótico, violento, paranoico, a veces arrepentido, triste, sensible, celoso... La letra de “Jealous Guy” también estaba vinculada a un momento particular de Lennon. Hacia apenas un año que se habían separado los Beatles y todavía se sentían los temblores del movimiento sísmico, a escala mundial, que significó tamaño evento. Por otra parte, John estaba muy influenciado por la terapia del Grito Primal del doctor Janov, que lo llevaba a combatir sus demonios, sus inseguridades –esos miedos, ahogados, pero que nos siguen acompañando desde la más tierna infancia- dejándolos al descubierto, en un ahogado grito desgarrador literal. Bastante de eso hubo en su primer opus solista e intimista, (Plastic Ono Band, 1970); un disco que reflejaba los sentimientos más profundos de un ser angustiado. Esa obra, a pesar de no ser un éxito masivo de ventas, a la larga se transformaría en una de las producciones más inspiradoras, e imitadas, de la historia del rock. Sino pregúntenles a los Strokes o a Lenny Kravitz (por nombrar sólo a dos artistas) que se ve que lo escucharon largo y tendido… Plastic Ono Band sería un disco que se adelantó a su tiempo y por eso no pudo ser digerido fácilmente por un público aun aturdido por la separación de la banda más amada de la historia, un público que aun no se había acostumbrado a pensar que los ´60 no existían más… 
En Imagine la historia sería distinta, desde el vamos, por la participación de Phil Spector, en carácter de co-productor. Por él, y por su ímpetu por convertir a Lennon en un solista ex beatle exitoso, algo que ya había logrado con la producción del triple All Thing Must Pass de Harrison, en 1970. John se encontraba en un excelso momento compositivo, y Spector –con su wall of sound- parecía ser el tipo más indicado para agregarle un toquecito pop, si se quiere, ideal para endulzar un poquitito esas dolorosas canciones lennonianas. “Jealous Guy” es un precioso ejemplo de eso, la comunión perfecta entre la canción lennoniana y las ambiciones wagnerianas de Spector por hacer “sinfonías para adolescentes”. El tema empieza con el piano, tocado a dúo por Lennon y el gran Nicky Hopkins, y la primera estrofa es la que desemboca en ese inmortal estribillo: “I didn`t mean to hurt you / I`m sorry that I made you cry / I didn`t want to hurt you / I´m just a jealous guy” (“No pretendí herirte / Siento que te hiciera llorar / No quise herirte / Sólo soy un muchacho celoso”). Cuantas veces nos habrá pasado esto, ¿no? Los arreglos de cuerdas son hermosos, así como hermosa es la forma en que Lennon silba la melodía de la canción, antes de la parte final de este tema sublime. Lo que quizá muchos no sepan, es que el tema había sido compuesto bastante antes de ser incluido en Imagine. Más precisamente durante la estadía de los fab four en la India en 1968, durante su retiro espiritual junto al Maharashi, y que tenía otra letra y nombre: “Child of Nature”. Con esa denominación se lo puede encontrar a esta misma melodía –en una versión cantada por Lennon solo acompañado por una guitarra acústica- en varios discos piratas de los Beatles, incluidos los piratas de los ensayos de (la película) Let It Be. Luego, en 1982, Roxy Music haría un bello cover de “Jealous Guy” para su disco Avalon, y, en 1988, se estrenaría un impactante video clip del tema original que recopilaba lo mejor del esplendido documental “Imagine: John Lennon”. 
Otros momentos importantes del álbum Imagine eran los temas "Oh My Love", una dulce canción compuesta para Yoko Ono (por favor, chequeen la hermosa versión de este tema realizada por Luis Alberto Spinetta en el disco de Los Durabeats, en 2005), y la contemplativa "How?", en donde Lennon reflexionaba sobre los vericuetos existenciales propios del doloroso devenir humano, seguramente, en una visión muy influenciada por sus experiencias vividas durante su estadía, realizada en 1970, en el centro terapéutico de Janov. En sí, "How?" relevaba varias de las preguntas que Lennon se formulaba durante los cambios producidos en el tiempo que realizó la terapia de Janov. Pero no solamente canciones tiernas y reflexivas poblaban este disco, porque Imagine también daba cuenta del amor de John por los ritmos frenéticos, así como de sus raíces rockeras, en temas como "Crippled Inside"(alevosamente dedicado a Paul McCartney) y "It's So Hard", así como en la provocativamente encantadora "Gimme Some Truth", en donde John se descolgaba con uno de sus más brillantes y potentes temas solistas. Por su parte, "I Dont't Wanna Be A Soldier" cerraba el viejo lado A detonando una pancarta activista en contra de la militarización y el reclutamiento forzado, en tiempos en donde aun no se había resuelto el problema de Vietnam (y quedaban aun tantas otras guerras futuras por venir…). Otro de los momentos más recordados de Imagine era la canción "How Do You Sleep?", en donde Lennon aprovechaba para mofarse a fondo, y sin ninguna sutileza o eufemismo, de Macca, tomándose “revancha” de la letra del tema de Paul “Too Many People”, que Lennon creía que su ex compañero le había dedicado, en especial por ese fragmento que se preguntaba que se podía hacer por “un muchacho que había arruinado todas sus oportunidades”. Lennon suponía que ese “pobre muchacho” era él, y reaccionaria con furia ante su ex compinche. Por este motivo, y fogoneado por su manager Allen Klein (enemigo acérrimo de McCartney), se cebaría componiendo una canción que era una brutal bola de bilis. Sin embargo, se dice, que varias de las letras hirientes hacia McCartney, deliradas por Lennon y Klein, fueron dejadas de lado debido al consejo de Ringo Starr –otro de los participantes en la grabación del disco- quién veía en esta actitud de Lennon mucho infantilismo agresivo al pedo. Por eso, en medio de la grabación del tema, el baterista solamente se limitaría a decirle a su amigo: “Basta John”. También, en esta canción, así como en “Crippled Inside” y "Gimme Some Truth" (¡ese slide!), se destaca George Harrison como músico invitado –entonces, del lado de Lennon en lo que respectaba al pleito beatle-, realizando un brillante trabajo, con sus punzantes solos guitarreros. Por fin, la alegre “Oh Yoko” mostraba a Lennon, de nuevo como en sus primeros tiempos en Los Beatles, dando cátedra en la armónica. Un punto final bien up para un disco espectacular que alcanzaría el puesto número 3 en las listas de la Billboard, y el 1 en el mercado discográfico británico.
Emiliano Acevedo.-



domingo, 5 de agosto de 2012

THE CULT- CHOICE OF WEAPON


Sin pecar de exagerado creo que estamos frente al mejor trabajo de la banda británica desde el excelente y exitoso disco Electric de 1987. The Cult hoy por hoy y como su nombre lo indica se ha transformado en una banda de culto ya no convoca masivamente, ni llena estadios como lo hacia a fines de la década del ochenta. Mucha agua ha corrido bajo el puente que construyeron el guitarrista Billy Duffy y el vocalista Ian Astbury, excesos de todo tipo, duelos de egos idas y venidas por doquier, pero desde la edición de Beyond Good and Evil en el 2001 cuando decidieron volver a grabar juntos después de siete años de silencio, ambos líderes parecen haber concentrado sus fuerzas en lo más importante: la música y sobre todo tocar mucho en vivo. Luego vino el aceptable Born Into This (2007), pero la pregunta a esta altura seria ¿Qué esperamos de un disco nuevo de The Cult tras casi treinta años de carrera? La respuesta es simple y solo de cuatro letras: rock, escuchar esa guitarra desgarradora y asesina de Duffy y la característica garganta de Mr. Astbury.
Bueno sus dos primeros cortes, “For The Animals” y “Lucifer” ya dejan en claro que este nuevo álbum de The Cult nos va hacer sacudir la cabeza, también hay lugar para la típica balada épica y oscura, que hay en casi todos los trabajos de la banda en esta ocasión es el tema “Life > Death”. Es importante destacar que es la primera vez que la banda graba dos álbumes con la misma formación la cual se completa con el baterista John Tempesta (ex Testament y White Zombies) y el bajista Chris Wyse (ex Ozzy Osbourne), promediando el álbum nos encontramos con “Amnesia” una de las canciones mas potentes con todo el espíritu punk rock, como también sucede con la enérgica “Honey From a Knife” la encargada de abrir Choice of Weapon el cual vuelve a estar producido por un viejo conocido de la banda Bob Rock (Metallica/ Mötley Crue). Este 2012 nos muestra a unos The Cult que han puesto toda la carne del rock sobre el asador.
Lean Ruano.-


ANDRES CALAMARO - NADIE SALE VIVO DE AQUÍ (1989)


¿No están hartos de ver a Andrés Calamaro haciendo papelones en impresentables programas de televisión? Parece que hubiesen pasado siglos desde que este músico creó un repertorio que se convirtió –o al menos buena parte de él- en la banda sonora de tres generaciones de argentinos. Porque esa cualidad tenían, justamente, canciones como “Pasemos a Otro Tema”, incluida en el impresionante álbum Nadie Sale Vivo de Aquí (1989), tercera producción solista de Calamaro, quizás, (¿por qué no?), el mejor disco de toda su carrera (aunque no sea, ni por las tapas, el más popular). Un álbum que coincidió con el derrumbe del gobierno alfonsinista y la hiperinflación, anticipo del inminente auto exilio de Andrés, quién decidiría a fines de ese año radicarse, por varias temporadas, en España. 
Atiborrado de canciones brillantes, Nadie Sale Vivo de Aquí, con ese título derivado de una frase de Jim Morrison, nos mostraba una faceta de Calamaro bien songwriter, más cercana a un Tom Waits porteño, acompañado de músicos bien roqueros y polifacéticos como Ariel Rot (guitarra, coros) –quién luego lideraría Los Rodríguez, junto a Andrés-, Gringui Herrera (guitarra coros), Ricky González (batería), el “AlemánAlejandro Schanzenbach (bajo) y Jordi Polanuer (saxo). Así nos podíamos encontrar en este álbum con temas grandiosos como el explosivo rock de 1.31 minutos “Nadie Sale Vivo de Aquí”, o “Pero Sin Sangre”, “Con la Soga al Cuello” (con Vicentico de invitado), las rancheras “No Tengo Tiempo” y “Adiós, Amigos, Adiós”, el rockabilly “Señoritas” (con Gabriel Carámbula en guitarra, Vicentico y Luciano Jr haciendo coros), “Ni Hablar”, “No me Vuelvas la Espalda por Eso” o la inefable “Dos Romeos”, con un recitado a la Lou Reed. Dos puntos altos del disco eran “Vietnam”, un temazo dividido en dos partes que incluía la participación de Gustavo Cerati en voz y guitarra, más Fito Páez en piano; y “Señal que te he Perdido”, casi un hit oculto dentro de la carrera calamaresca. Pero, sin dudas, la canción que más perduraría en la memoria popular sería la mencionada “Pasemos a Otro Tema”. Lo curioso de este título eran sus características sui generis que la convertían en una canción de desamor alegre. Algo que nos hacía intuir que este tema continuaba la aquella tradición iniciada por Los Beatles, de hacer temas alegres con letras tristes: “¿O acaso no era así “I´m Down”, una canción en donde la letra era un bajón total, pero, (mientras tanto) las cabezas de estropajo no dejaban de agitarse?”, como, una vez, señaló, en forma acertada, Alex Kapranos, el cantante de Franz Ferdinand
Así es “Pasemos a Otro Tema”: una melodía imposible de dejar de cantar, ya sea que estemos en una tribuna, bajo la ducha, acomodando mercaderías en un depósito o enfrente de este monitor, mientras escribo esta nota que vos estas leyendo ahora. Una canción redonda que con en 2.23 minutos te cautiva, dejándote con ganas de más. Su letra mágica empieza, de una, con el inolvidable “Pasemos a otro tema, no quiero hablar de eso /La casa está vacía y fría / La ropa en el pasillo me da la razón/ Ella me abandonó... ” Para seguir: “Está todo guardado / Hay cosas con candado /Hay cosas que abandono para siempre / Y hay un lugar vacío / Es el que había pensado / Sólo para los dos”. Luego de escuchar estos versos, ¿cómo no pensar en todas las rupturas amorosas del artista que los escribió o, mejor, en cada uno de los desgarramientos que sufre cualquier mortal ante esta situación: El fin de un proyecto en común y/o una relación? : “Ella es tan formal / Que nunca me va a perdonar...” Increíblemente, con el correr de los años, parece, que esta parte se reactualiza todo el tiempo en la vida de Calamaro. Sino piensen es su reciente escándalo mediático, post ruptura matrimonial con Julieta Cardinali. Pero como no sólo de chismes ala Paparazzi vivimos... Mejor, no hablar de eso, y sigamos recorriendo la irresistible letra de este tema, en el que Calamaro -pasando de la primera a la segunda persona-, en el puente, hasta se anima a incluir referencias a la Formula 1 (“Fue por el Efecto Suelo...”) y a su admirado Miguel (“... y una frase del Abuelo / El lugar se cubrió de pedazos de cristal”), y a toda su inmensa poesía, esa que hablaba de aquellos “pedazos rotos del gran espejo interior”. No queda mucho más que decir de esta canción, tan solo recomendarles que la escuchen, si aún no lo hicieron. Fíjense que no tiene introducción ni solo de guitarra. ¡Y ni falta que hace! Tan solo lo justo y necesario, más hubiese sido al dope. 
Así son casi todos los temas de Nadie Sale Vivo de Aquí, un repertorio inspirado y único que ojalá algún día vuelva a incluir Calamaro en sus conciertos. ¿O, acaso, ustedes no están un poco cansados de escuchar, una y otra vez, hasta el cansancio “Paloma”, “Cuando te Conocí” o “Flaca?”
Ahora sí, aprieten EJECT, por favor...
Emiliano Acevedo.-