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jueves, 29 de abril de 2010

JOYO VELARDE - LOVE AND UNDERSTANDING

Acostumbrados a escuchar su particular voz en diferentes proyectos colectivos de hip-hop y R&B como Quannum Proyects, Lyrics Born o Blackalicious al fin llega el anhelado disco debut de la cantante nativa de Manila – California del Norte Joyo Velarde era hora de forjarse un camino con nombre propio y dicha concepción se materializa en Love and Understanding (Quannum Proyects 2010)
Joyo estudio ópera en Roma – Italia y de regreso a la bahía de San Francisco a mediados de los años 90´s donde conoció a su futuro esposo el rapero japonés/ americano Tom Shimura (Aka Lyrics Born), miembro de los proyectos de hip-hop Quannum Proyects y Latyrx. Esto llevo a Joyo a ampliar sus horizontes musicales, sobre todo en aquellos géneros de raíces negras como el funk, el soul y el r&b.
El disco arranca con “Mama’s Got a Brand New Swag (So Exquisite)” y tanto en este comienzo como en “Strong Possibility” el aporte de su marido Lyrics Born rapeando es fundamental, como también es primordial su contribución en la composición de todas las canciones del álbum.
“Certain Special Way” es el primer single y al igual que “Build This World” y “The Way We Are” conforman el costado más soul del disco. Tampoco faltan las baladas nocturnas como “You Got Me (In The Mood)” o “Ticket To Love” exponiendo un rythm and blues de alta costura donde podemos apreciar la influencias de divas del soul como Minnie Riperton o Chaka Khan.
Love and Understanding (Quannum Proyects 2010) es un trabajo en el que se manifiesta una extensa diversidad de matices desde el r&b más soulero, traspasando la pista de baile con ritmos mas funkys, sumando alguna edulcorada balada downtempo.
Para los que somos amantes de la música negra realmente este trabajo es una bocada de aire puro, renovador, una puerta abierta para un futuro más que prometedor.
Lean Ruano.-
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JOSH ROUSE - EL TURISTA

En el fondo, Josh Rouse siempre ha sido un turista. Nacido en Nebraska, el músico americano ha vivido en sitios tan dispares como Nashville, Valencia y Brooklyn, siempre dispuesto a intoxicarse con la música que lo rodeaba. Precisamente ha sido en Nueva York donde Rouse ha entrado en contacto con la música latina, aunque posiblemente su casa en el Mediterráneo haya influido, auque mas no sea, en el aire de este nuevo trabajo. En su nuevo disco El Turista abundan las referencias a Stan Getz y Joao Gilberto, a la música cubana, y sobre todo, destaca el aire suelto y divertido. Rouse ahonda en la línea del reciente Valencia EP (2009) e incluso rescata “Lemon Tree” de su Bedroom Classics Vol. 3 (2008), que no será del gusto de los que todavía piensan que lo mejor de su producción se encuentra en Dressed Up Like Nebraska (1998), Nashville (2004) o su colaboración con Kurt Wagner (Lambchop) en el EP Chester (1999). Con auténtico pudor se enfrenta entonces así, a la etapa en castellano de un artista cool. El experimento ha dado tan malos resultados en el pasado que en muchos casos dan ganas de fingir que no existen. Y es que a un seguidor de Josh Rouse le puede hacer gracia que se haya enamorado de una española y se haya molestado en aprender su lengua, prueba de que la cosa va en serio, pero de ahí a que afecte tanto a su carrera artística… Para los más escépticos, al menos el disco empieza bien: con un instrumental, aunque llamado "Bienvenido". La respuesta a por qué el disco medio en castellano de Josh Rouse funciona es muy obvia: Josh parece haberse dado cuenta de sus limitaciones y de lo mal que lo hace en el cover de “Bola de Nieve” de Mesie Julian, donde canta de una forma bastante limitada con frases como: “soy poco social, soy intelectual y chic” o “soy un artista mundial y no digo más “cha cha”". En El Turista el castellano sirve como divertimento, para decir tonterías con las que bailar, no para construir dramas en serio. No parece fruto del azar que las canciones más delicadas, como "Don’t Act Tough" o "Cotton Eye Joe", estén en inglés. Musicalmente, el disco no es tanto una celebración mediterránea, sino que, incursiona en la bossanova y otros géneros sudamericanos, especialmente brasileños pero también cubanos. Y “Valencia” o “I Will Live On Islands” son tan animadas que al final lo del idioma es lo de menos. Pero lo mejor no es que Josh haya conseguido superar las barreras idiomáticas para montar este pequeño disquito playero, sino que, con diferentes tipos de instrumentación sureña, enriquece una carrera que de otra forma parecía condenada a quedarse en el entorno ‘cantautor de folk’. Bien por Josh, pero quiero más....y mejor.
Diego Bochor.






FALLECIO - GURU

Pionero de la cultura hip-hop neoyorquina desde principios de los años 90’s, Keith “GURU” Elam fundó junto a Dj Premier uno de los grupos más emblemáticos y respetados de la escena, con letras nutridas de contenido social reflejaban la discriminación y el maltrato que recibían los afroamericanos residentes en los diferentes barrios bajos de Nueva York, estoy hablando obviamente de Gang Starr. Con 8 discos de estudio y más de diez años de carrera la banda se disolvió dejando un legado marcado a fuego para las nuevas generaciones.
Luego Guru combinó su excelente flow con bases rítmicas de jazz y soul, logrando lo que pronto hoy en día es etiquetado como Acid Jazz. Se reinventó como Guru’s Jazzmatazz, editó varios discos con este proyecto y rodeado de colaboradores de la talla de Erykah Badu , Bilal o Common entre otros.
El pasado 20 de abril nos enteramos de su deceso a causas de un cáncer que lo tenía a maltraer, desde hacia ya mas de un año. El músico de 43 años hacía varias semanas que permanecía en coma en un hospital de Nueva York tras haber sufrido un paro cardiorrespiratorio. Despedimos a un precursor de enorme talento y creatividad
¡Hasta siempre Guru!
Lean Ruano.-




jueves, 22 de abril de 2010

"SI NO FUESE POR LA MÚSICA YO AHORA ESTARÍA EN LA CARCEL"

del genial y multifacético Ruso Verea.-

BARNEY HOSKINS - TOM WAITS. LA COZ CANTANTE. BIOGRAFÍA EN DOS ACTOS.

Genio, músico, poeta, excéntrico, marido, padre, comediante, vocero, transgresor, maestro, vanguardista, extravagante, bailarín, romántico, fugitivo, fabulador, auténtico. Se podrían llenar extensos párrafos intentando definir a Tom Waits, proyecto que se saldaría con un inevitable fracaso, pues se trata de uno de los artistas más inclasificables de nuestra era. Para intentar acercarnos a la personalidad del músico californiano aparece ahora La coz cantante. Biografía en dos actos, editado por Global Rhythm, un texto mayor del reputado periodista Barney Hoskins, esencial para quienes quieran acercarse a la personalidad de Waits. Por supuesto, la obra es una mera aproximación a un carácter único, para empezar, Waits no habla con el autor. Además, el propio artista intentó dinamitar el proyecto y amigos como, Keith Richards o Elvis Costello declinaron dialogar con Hoskins tras recibir una llamadita del músico. A pesar de esto, el texto es lo suficientemente atractivo como para disfrutarlo, ya que, a Hoskins le avala su obra anterior Across the great divide, el mejor análisis sobre la carrera de The Band, y más recientemente trató el folk-rock de la costa oeste en Hotel California, un fantástico relato de las andanzas de Eagles, Jackson Browne, Neil Young, los Byrds y demás en una época dorada para la música, por cierto que, en este libro también se incluían referencias a Waits.
Ahora Hoskins pretende indagar específicamente en la carrera de Waits, que abarca ya cuatro décadas, un paseo crepuscular por la vida de un hombre que ya es leyenda de la música, un tipo que creó un personaje monumental y una manera única de contar historias. No sólo es su música, tan personal, sino también unos relatos descarnados acompañados por una voz que se emparenta con la del mismísimo diablo, si es que éste tuviera una garganta reconocible. Al tiempo, durante todos estos años Waits fue construyendo un personaje que no admite comparación con ningún otro en la historia de la música. De alguna forma, aplicó a su extravagante carácter las viejas enseñanzas de su amigo Bob Dylan, quien también forjó su propio mito con historias personales en las que cuesta distinguir realidad de ficción. “Asegúrate de que la demanda sea mucho mayor que tu oferta. El público es un animal salvaje. Conviene no alimentarlo demasiado”, dijo Waits en el 2004.
Waits apenas ofrece pistas de su personalidad. En las pocas entrevistas que ha concedido, le gusta jugar con el periodista y propone gigantescas metáforas que ayudan tanto como despistan en el intento de acercarse a vida y obra. Como dice en una oportunidad: “El mundo está haciendo música todo el tiempo. Predicadores callejeros, trenes acercándose, niños cuando suena el timbre, multitudes hambrientas, una orquesta afinando, la panceta en la sartén, una estampida de elefantes, el mechero “Zippo”, tractores, lechuzas (...)
El músico contó cierta vez que nació en la parte trasera de un taxi. También cultivó a conciencia su imagen de vagabundo beatnik, alojándose por voluntad propia en las habitaciones de los hoteles más sórdidos, donde era imposible ver el color de las baldosas al quedar tapadas por infinidad de vinilos rotos, revistas censuradas, botellas de licor barato, colillas babeadas y zapatos sin su par correspondiente. Luego, a finales de los '70, tuvo una salvaje relación con Rickie Lee Jones, otra artista singular, y a comienzos de los ‘80 encontró la estabilidad junto a Kathleen Brennan. Ella trabajaba en los estudios Zoetrope de Francis Ford Coppola y se acabaría convirtiendo en algo más que su mujer. Con Brennan halló no sólo a la madre de sus hijos, sino también a una colaboradora en el arte de escribir canciones y en vivir una vida más saludable. Ahora Tom Waits dedica su tiempo a disfrutar de su familia, sacar discos de tanto en tanto y ofrecer giras esporádicas a las que el personal asiste con lágrimas en los ojos a un espectáculo único en todo el mundo. Para deleite de los oídos más desacomplejados queda su obra, llena de discos tan memorables como The Heart of Saturday Night, Small Change, Blue Valentine, Rain Dogs, Bone Machine, Mule Variations y muchos más.
Dijo hace tiempo: “Editas las canciones porque es verdad que las cosas aterrizan en tu patio como meteoritos. Las canciones tienen un efecto auténtico en ti. Se sabe que las canciones salvan vidas. Algunas son terapéuticas. O quizá algunas son asesinas. Algunas morirán en el parabrisas y algunas nunca saldrán de casa. Las golpeas, pero nunca se van. Otras no pueden esperar para salir y nunca serán escritas. Son pequeñas bastardas desagradecidas. Sólo hay una razón para seguir escribiendo canciones y fue lo que dijo Miles Davis: que estés cansado de las viejas canciones”. Y ahí sigue, alimentando su elusivo genio, fugitivo de su propio mito. Glitter and Doom es el nombre de su última gira, y también el nombre de su último disco en directo. El álbum recoge varios temas que interpretó durante aquella gira, en la que ofreció escasísimas concesiones a los viejos tiempos, centrándose en su material más nuevo. Por aquí desfilan delicias como “Lucinda”, “Falling down” y muchas más. La deconstrucción del blues llevada hasta sus últimas consecuencias. Además, también se incluye otro disco con varios de los delirantes monólogos con los que suele deleitar a la audiencia en sus conciertos, aunque se requiere tener un apreciable manejo del idioma para entenderlo.
Párrafo aparte su espectacular interpretación en la ultima película del director Terry Gilliam, El imaginario del Doctor Parnassus donde su papel protagónico es representar al mismísimo diablo, con un puntaje que sobresale su esencia misma y que tan bien sabe sobrellevar. Nadie mejor que él podría interpretar ese papel, sin dudas. El gran Tom Waits... la encarnación de nefistófeles sobre la tierra.
Diego Bochor.-











CHRISTIAN SCOTT - YESTERDAY YOU SAID TOMORROW

Descubrí al joven y talentosisimo trompetista Christian Scott gracias a que, en su mas reciente trabajo Yesterday You Said Tomorrow (Concord Records 2010) incluyó una exquisita versión del tema “The Eraser”, canción que le da título al primer disco solista del cántate y líder de Radiohead Thom Yorke. No es la primera vez que artistas de jazz recrean piezas de la aclamada agrupación de Oxford los casos mas sobresalientes son los del saxofonista Chris Potter y el brillante pianista Brad Mehldau abordando de forma magistral clásicos de la banda como “Morning Bell” y “Paranoid Android” respectivamente. Bueno volviendo a lo que nos concierne…
Christian Scott nació hace 27 años en la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana, recibió su primera trompeta a los 12 años de parte de su madre e inspirado por su tío el saxofonista de jazz moderno Donald Harrison abrazaría el camino de la música para nunca más soltarlo.
Inicio sus estudios en The Berklee School of Music hasta que, en el año 2004 fue seleccionado para formar parte del Berklee Monterrey Quartet. Aunque Christian tiene sus raíces en el jazz reconoce como influencias tanto a Miles Davis o John Coltrane como a Jimi Hendrix y Bob Dylan. A pesar de su corta edad el trompetista ya ha participado en discos de artistas de la talla de Prince, Marcus Miller y el rapero Mos Def. Además de recibir una nominación al Grammy en el año 2006 por su excelente disco debut Rewind That (Concord Records 2006) y de ser bautizado por el Jazz Times como el “Dios del Jazz de estilo joven”, en el 2007 llegaría el turno de Anthem (Concord Records) un trabajo cargado de melodías más emocionales y dramáticas que su antecesor.
A principios de este 2010 y bajo la tutela de uno de los más grandes productores e ingenieros de sonido de la historia del jazz, el legendario Rudy Van Gelder. La estrella de la trompeta Christian Scott nos entrega su cuarto trabajo para Concord Records Yesterday You Said Tommorrow, el cual, consta de diez temas y está acompañado por el guitarrista Matthew Stevens, el pianista Milton Fletcher Jr., el bajista Kristopher Keith Funn y el baterista / percusionista Jamire Williams. El inicio del álbum es con el tema “K.K.P.D.” una lucha entre tenebrosas melodías y constantes cambios de ritmos el cual según el propio Scott hace referencia al maltrato y discriminación que sufren los afroamericanos por parte de la policía de New Orleans, el segundo track es el ya mencionado “The Eraser” en al cual nos deslumbra una vez más con una sensibilidad y talento musical indiscutible, también se destaca la bellísima melodía de “Isadora” dedicado a su actual pareja como los ásperos y angustiantes sonidos en “Angola , La & the 13th Amendment” y “American’t”.
Cabe subrayar que la casa Edward Instruments le confecciono en exclusiva una trompeta con una forma especial que le ayuda a ejecutar su particular técnica de soplado, lo que da un sonido similar al susurro de la voz humana.
Sin lugar a dudas, Yesterday You Said Tommorrow va camino a ser uno de los mejores discos de jazz de este 2010 que seducirá tanto a puristas de este género como aquellos que tengan el oído y la mente abierta a diferentes fusiones.
Lean Ruano.





jueves, 15 de abril de 2010

SUPERGRASS - LA SEPARACIÓN

A mediados de los años 90’s irrumpió en el reino unido el movimiento musical conocido como britpop los principales referentes eran Blur, Oasis, Suede y Pulp entre otros, la característica de dicho movimiento era un rock de guitarras y estructuras clásicas para escribir canciones de estrofas y estribillos con raices en los años 60’s y 70’s principalmente reflejadas en The Beatles y The Kinks, por esos años surge en la ciudad inglesa de Oxford Supergrass liderada por Gaz Coombes en voz y guitarra, acompañado por Danny Goffey en batería y Mick Quinn en bajo a quienes también se les unía ocasionalmente en teclados el hermano de Gaz, Rob Coombes.
Supergrass edito 6 álbumes entre 1995 y 2008 , I Should Coco (1995), N It For The Money (1997), Supergrass (1999), Life on Other Planets (2002), Road to Rouen (2005) y Diamond Hoo Ha en el 2008; en los cuales han sabido inyectarle una dosis de glam y punk rock al sonido brit de aquel entonces sin duda heredado de grupos como T- Rex, Buzzcocks y el mismisimo David Bowie, hoy nos enteramos que Supergrass se ha separado por diferencias musicales entre sus integrantes, esperemos que esta división sirva para multiplicar el talento de estos músicos en sus nuevos proyectos .
Lean Ruano.-


PAVEMENT - QUARANTINE THE PAST: THE BEST OF PAVEMENT

En los albores de los años ‘90 el rock alternativo estadounidense exploto como una bomba neutrónica diseminando su onda expansiva alrededor de todo el universo, y lo que era valorado por un grupo reducido de personas se transformo en algo sumamente masivo hasta ser devorado por el propio mainstream que tanto detestaba. O sea, odiamos la televisión pero, morimos por que MTV le de alta rotación a nuestros videos clips, entre los pioneros de la nueva alternativa rockera iniciada a mediados de la década de los ‘80 podemos mencionar a Pixies , REM y Sonic Youth y en mayor escala a grupos grunge como Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden, quienes realmente cobraron una notoriedad impensada unos años antes de que estallara la explosión de música alternativa .
Entre los exponentes indies se encontraban los chicos Californianos de Pavement, liderados por el apasionado melómano Stephen Malkmus en voz y guitarra; la carrera de la banda duro exactamente 10 años (1989 al 1999) en la que han sabido editar 5 álbumes
Debutando en 1992 con Slanted & Enchanted (Matador 1992), consagrándose con Crooked Rain, Crookred Rain (Matador 1994), experimentando con Wowee Zowee (1995 Matador), en 1997 editan Brighten The Corners (Capitol Records) y se despiden en 1999 con Terror Twilight (Matador) producido por Nigel Godrich y en el que participo Jonny Greenwood de Radiohead, sumando así también una cantidad infinita de sencillos y EP’s. En esos diez años a Pavement le fue suficiente para retirarse con el rótulo de banda de culto y a Stephen Malkmus para encarar una ascendente carrera como solista.
Ahora después de diez años la banda decide reunirse y emprender un tour mundial, muy bien amigos nuevamente se cierne sobre nosotros una vez mas el bendito interrogante cuando suceden este tipo de reencuentros. Será un simple acto mercantilista o una mera reunión de viejos amigos para resucitar el cadáver (exquisito) y nostalgioso de algo que ya nunca será como fue, pues eso quizás nunca lo sabremos.
Con el motivo de dicha reunión Matador Records a decidido editar un grandes éxitos de Pavement titulado Quarantine The Past: The Best Of Pavement la que será su primera compilación oficial.
El disco incluye el hit “Cut Your Head” como también seis canciones que no pertenecen a sus discos pero que tampoco son inéditas sino que, fueron editas en su infinidad de EP’s. Otra buena parte del disco se la llevan temas de sus dos primeros trabajos como “Gold Soundz”, “Range Life”, “Unfair” y “Here”, infaltable el pseudo hit “Stereo”. Por supuesto que también quedan algunas perlas fuera del tracklist como “We Dance” y “You Are A Light” lo cual es inevitable para una banda con discos tan parejos y llenos de excelentes canciones.
Esta recopilación sirve como puntapié inicial para aquellos que nunca hayan escuchado y desean descubrir a Pavement, y para los que amamos estas canciones volver a escucharlas siempre es un placer. Y esperar… a ver si en una de esas se vienen por estas pampas.
Lean Ruano.-


EMMA POLLOCK - THE LAW OF LARGE NUMBERS

The Law Of Large Numbers (2010) es el segundo disco firmado en solitario por quien fuera parte imprescindible de los añorados The Delgados, tras la disolución de la formación escocesa en el año 2005. Si el debut Watch the fireworks (2007) resultó un disco confeccionado con canciones adictivas, la presente continuación mantiene la elegancia habitual de la cantante, evitando sin embargo convencer como aquel, con una falta de intensidad a medida que avanzan los temas. Lejos de engancharlo a uno, el disco pierde pequeñas dosis de interés con cada nueva escucha, a pesar de compartir distinguido aroma con grandes damas de la música como Chan Marshall (Cat Power) o PJ Harvey, especialmente de su disco White Talk (2007), buscando infructuosamente el pulso correcto que active al oyente.
La cancion “Hug The Piano”, escasa y delicada pieza instrumental, inaugura y cierra un disco en el que lo más interesante se encuentra al principio del mismo, con el buen single “I Could Be A Saint” y la composición “Hug the Harbour”. A partir de entonces, la mediocridad sólo es superada con “Chemistry Will Find Me”, entre la facilidad de “Red Orange Green” o la inocuidad de “House On The Hill” y “Letters To Strangers”, con la escasez de guitarras en favor del piano como constante. Escasa e irregular producción en definitiva, el dejado en esta ocasión por una artista de la que, por trayectoria, nos sentimos obligados a esperar bastante más tras habernos deleitado con su anterior disco debut. Una pena.
Diego Bochor.-


jueves, 8 de abril de 2010

Un 5 de abril hace 16 años fue encontrado muerto en su casa de Seattle.

"Cuando era chico soñaba con ser lo que hago ahora, y ahora que cumplí
mi sueño me doy cuenta que no es tan fácil ni tan lindo como pensaba"
de Kurt Cobain.-

ENRIQUE BUNBURY - LAS CONSECUENCIAS

Corría el año 1994 y a metros del Congreso de la Nación ahí no mas del kilómetro cero de la ciudad de Buenos Aires en el viejo y querido Roxy se consumaba la primera presentación en suelo Argentino de los Héroes del Silencio, cómo olvidarme de un Enrique Bunbury poseído por el espíritu del rey lagarto Jim Morrison cantando trepado a los tubos de ventilación y cerrando lo que seria un concierto memorable de los Héroes, cómo olvidar que el show se anunciaba a las 21hs. y los primeros acordes sonaron cerca de las 3 de la madrugada y cómo olvidar al inefable Mariscal Romero con su verborragia habitual tratando de apaciguar a las masas . ¿Se acuerdan?
De ese Bunbury a este versión 2010 ha corrido mucho agua bajo el puente, principalmente la separación de los Héroes y el comienzo de una carrera solista con un primer trabajo no muy bien recibido ni para el publico como para la prensa especializada quizás debido a cambios un tanto radicales en su estilo como su titulo lo indica Radical Sonora (1997 EMI.)
El músico español nacido en Zaragoza un 11 de Agosto de 1967 es realmente una garganta privilegiada dentro del rock de habla hispana.
Con discos como Flamingos (2002 EMI) y sobre todo el doble El Viaje a Ninguna Parte (2004 Capitol), Bunbury logra encontrar un estilo propio con un sonido cosmopolita fiel a su personalidad de eterno vagabundo, abordando ritmos de cabaret, aromatizados con armonías y arreglos propios de cada rincón de Latinoamérica que ha sabido visitar con su Huracán Ambulante como así también de otros lugares del planeta como Marruecos, la India o Turquia.
En este 2010 es el turno de Las Consecuencias (2010 EMI), sexto trabajo en solitario para la ex voz de los Heros del Silencio, un disco acústico, íntimo, donde el cantautor abre el corazón a tormentosas vivencias amorosas y se aleja de su antecesor el optimista Hellville De Luxe (2008 EMI.)
El disco arranca muy bien sigue una línea, un hilo conductor tanto a nivel musical como poético los tres primeros temas: “Las Consecuencias” una oda acústica al egoísmo de no querer envejecer “olvidas poco a poco todos tus sueños”, “Ella Me Dijo Que No” con sutiles y bellísimos arreglos de cuerda, “El Boxeador” guitarra slide y Hammond en perfecta combinación. Pero llega el momento en que, nos damos de lleno con una pared y esa pared es el cover de “Frente a Frente” de la cantante británica - española Jeanette. El mismo Bunbury reconoce que lo agrego porque no tenia en el disco un tema que sirviera de promoción para difundir en las radios (de hecho es el primer corte), la pregunta del millón es... ¿hacía falta? Para un artista de las características de Enrique Bunbury, la respuesta es NO, es un tema que esta completamente afuera del disco, afuera de la obra, pero bue… Todo sea por la ‘promoción’, cuesta escalar esa pared pero realmente vale la pena hacerlo, lo que sigue es sencillamente precioso, hermosas y tristes melodías como la bobdyleana “21 de Octubre” con armónica incluida, la guitarra desgarradora en la intro de “Los Habitantes” el tema más eléctrico del álbum o el exquisito piano del último tema del disco “Nunca se Convence a Nadie de Nada”.
Las Consecuencias (2010 EMI) se sumerge en oscuros abismos donde mejor le gusta caminar a este verdadero crooner aragones.
Lean Ruano.-





NOTA EDITORIAL:
Hemos decidido incluir este video clip, por dos razones: es el único corte que salió desde el lanzamiento del disco y, aunque la opinión del autor de la nota no lo favorezca, dejamos que usted puede saque sus propias conclusiones al respecto. Saludos, Secuencia Inicial.-

ADAM GREEN - MINOR LOVE

Después de editar Sixes And Sevens (2008), un álbum un tanto disperso que no aprovechó en absoluto el espíritu Moldy Peaches (su anterior banda clásica de los ’80.) Adam Green vuelve con un disco con menos canciones, 14 en concreto, de casi rigurosamente 2 minutos cada una, en el que, aunque lejos de la luminosidad orquestal de su obra maestra, Friends Of Mine (2003) por momentos sí llega a rozar su inmediatez.
Minor Love lo ha grabado en Los Ángeles con el productor Noah Georgeson, quien ha trabajado con Devendra Banhart y Little Joy, precisamente el líder de esta última banda, Rodrigo Amarante, es uno de los músicos invitados en un disco que Adam se jacta de haber grabado prácticamente en solitario. Y le ha salido bien. A las rimas imposibles habituales “Castles And Tassles”, “And Flatulent Assholes” y “I love you”, se suman himnos increíbles como “What Makes Him Act So Bad” o “Cigarette Burns Forever”, que podría recordar por su tipo de acordes y ritmo a Bluebirds o Friends of Mine. Hay un par de momentos acústicos memorables como “Boss Inside” o “Don’t Call Me Uncle”, en un punto medio entre la claridad de los arpegios del folk y el country más oscuro.
Entonces, en resumen, ¿qué nos ofrece este Minor Love? Pues a un Adam Green en buena forma, del que todavía no somos capaces de diferenciar cuando está de broma y cuándo se toma las cosas en serio, lo que nos lleva a plantearnos que incluso es posible que sea esa falta de madurez intencionada la que le lleva a mantenerse disco a disco en una situación envidiable dentro de la escena folk actual. ¿Repetitivo? Quizás, pero como se suele decir, sabemos a lo que nos exponemos. Asumiendo que no es su mejor disco, (la sombra del Friends Of Mind es demasiado alargada.) Green se olvida de experimentos anteriores volviendo aquí a la sencillez y es justo aceptarle que al menos lo nuevo es ampliamente mejor que su mediocre antecesor Sixes & Sevens, no le podíamos exigir menos. Entre estos momentos tan aparentemente introspectivos, experimentos como “Oh Shucks” y “Lockout”, que podrían acercarle a Beck. Minor Love resulta uno de los discos más entretenidos de su carrera, pero claro, no el mejor. Cada vez parece más claro que nunca volveremos a escuchar los espectaculares arreglos de Friends of Mine en uno de sus álbumes, porque eso quizá quitaría puntos a Mr. Green, cuya gracia está en desconcertar lo suficiente como para que nadie tenga nunca ni idea de cuándo se está tomando a sí mismo en serio y cuándo no. Madurez, cuanto más lejos, mejor.
Diego Bochor.-


jueves, 1 de abril de 2010

GROOVE ARMADA -- BLACK LIGHT

Han pasado ya 12 años de aquel inconfundible hitazo que fue “I See You Baby... Shaking That Ass” y que incansablemente a sonado hasta el hartazgo en cualquier pista de baile alrededor del planeta.
Sinceramente por aquellos años finales de la década del 90 me resultaba bastante intrascendente este tipo de música, no la música electrónica en sí, sino, aquellos temas que son fabricados simplemente para bailar, los encontraba un tanto frívolos sin contenido, con un estribillo pegadizo como la miel y que se repetía hasta el hartazgo... Para decir verdad, yo no era de ir a mover mucho el culo por las discotecas, mas bien, necesitaba una guitarra - lo más distorsionada posible- para sentir el fluir de la sangre en mis venas. Así que, Groove Armada no era de mis bandas cabecera como podrán imaginarse, ya que, en esos años vivíamos los últimos coletazos del brit pop y las camisas escosas del grunge ya las estábamos doblando y archivando como reliquia en algún viejo placard.
Por suerte pude abrir la mente y descubrir infinidad de artistas que por simple prejuicio rechazaba antes de ni siquiera escucharlos. Quizás este prejuicio fue el que me llevo a descubrir a los chicos de Cambridge (Inglaterra) unos años mas tarde.
El sexto trabajo del dúo formado por Andy Cato y Tom Findlay no podría tener un título mas acertado Black Light (2010 OM), realmente encienden su luz negra y enfocan hacia el costado mas darky de la banda, con un pie en la pista de baile ochentosa y otro en las canciones pop guitarreras de New Order y David Bowie.
El arranque es con “Look Me In The Eyes Sister” que cuenta con la voz de Jess Larrabee (quien también aparece en “Just For Tonight” y “Time & Space”) guitarras al frente y arreglo synth propio de Soft Cell o Human League. “Fall Silent” (en un excelente uso del vocooder), cuenta con la participación de Nick Littlemore (Empire Of The Sun), quien también colabora en “Not Forgotten, Cards To Your Heart” y “Warsaw” dejando a flor de piel el costado más experimental del álbum y presagiando, un más que prometedor futuro para la banda. El primer corte es el inmejorable “I Won’t Kneel”, el cual cuenta con, un extraordinario trabajo vocal de SaintSaviour e imaginariamente nuestra cabeza viaja a la pista de baile mas fluorescente de los 80’s. El pico más alto, la cumbre de Black Light llega con el tema “Shameless”, además de ser una gran canción por si sola el aporte vocal de Bryan Ferry (ex vocalista de Roxy Music) con su eterna garganta de terciopelo lo transforman en una verdadera perla pop.
Sobre el final nos encontramos con “History” el tema es interpretado por Will Young ¡¿Quién?! Will Young… es el ganador de la edición de 2002 inglesa de Operación Triunfo. Así y todo, el muchacho no desentona en el ámbito general del disco.
Black Light (2010 OM), es un trabajo que nos muestra a unos Groove Armada renovados, alejados del breakbeat de los 90’s y más cercanos a un electro pop, requiere una escucha más atenta sin dejar de mover el cuerpo en la pista por supuesto con un trago en la mano.
Lean Ruano.-

THE MAGNETIC FIELDS - REALISM

Después del extraordinario Distortion (2008), un trabajo memorable que ha pasado a formar parte de uno de los discos que más me ha gustado durante ese año. La banda liderada por Stephin Merritt ha escrito Realism, el que él mismo considera su ‘álbum folk’, en contraste con el anterior, que era ‘su álbum noise’ en homenaje a The Jesus & Mary Chain. Siempre cínico, ha revelado Merritt en su presentación oficial que, quería llamar a uno de estos discos True y a otro False, aunque no pudo ser capaz de decidir cuál era el sonido ‘verdadero’ - se refería en todo momento a la producción y a los instrumentos, no a las letras- y cuál el ‘falso’. Además, aclara que, si Distortion era más uniforme, Realism es una aproximación al folk desde diferentes puntos de vista, aunque siempre sin extenderse demasiado porque no puede “soportar el sonido de una guitarra acústica más de tres minutos seguidos”.
Esta nueva entrega de la banda era uno de nuestros discos más esperados del año. Desde luego, superar su anterior LP era bien complicado; pero Merritt es gato viejo, además de músico polifacético, y ha afrontado este reto de la mejor manera: sin intentarlo. Nuevamente, The Magnetic Fields nos obsequian un enésimo cambio de rumbo.
Si su anterior trabajo nos conducía por territorios sonoros tan exquisitamente melódicos como agresivamente distorsionados – con una producción magistral del propio Merritt -, Realism se aparta de esa senda para mantenerse fiel a un sonido mucho más limpio y mucho más folk. De hecho, abundan las canciones cuasi-infantiles y, en general, es la banda sonora perfecta para un paseo despreocupado por cualquier lugar que contemple espacio verde. No obstante, la simplicidad de The Magnetic Fields sigue superponiéndose a un pozo más amargo, más maduro, alejado de la alegría de sol y desayunos en la cama de grupos como Herman Dune o Pink Martini, y que resultará mucho más familiar a aquellos que disfruten con la Velvet Underground más simpática. Canciones como, “I Don’t Know What To Say” o “You Must Be Out Of Your Mind”, como la mayoría, podrían haber aparecido en su obra maestra 69 Love Songs (1999) o i (2004), mientras las letras siguen tratando los dramas habituales: flores pintadas que cantan posando desde una lápida como “Painted Flower”, amores que han sido una gran mentira en “Always Already Gone” o sobre la idea de ser utilizado para ‘algo’ con “Seduced and Abandoned”. En general la placa es más relajada y por desgracia relativamente homogénea, lo que equivale a calificarla a simple escucha de ‘ploma’.
A pesar de que las letras y los arreglos nos ofrecen sorpresas ocasionales, se echa de menos la gigantesca creatividad que se derrocha en Distortion, por ejemplo, o en los otros experimentos de Merritt (como los fantasiosos The Gothic Archies). Por todo ello, Realism no es un disco de escucha fácil, ni que vaya a sorprendernos a la primera, pero oculta unas cuantas joyas que sin duda merecen la pena el pequeño esfuerzo de concederle unas cuantas escuchas. Desde luego lo que si se encontrará, desde el primer momento, es una gran claridad de ideas, mucho sentido del humor, y el saber hacer de una banda que entiende la música de manera natural y muy cercana.
Diego Bochor.-

PD: este es un tema de 1994 interpretado en vivo en febrero de este año. La canción se llama "Long Vermont Roads" y pertenece al disco The Charm Of The Highway Strip del mismo año. Lamentablemente no encontramos nada nuevo en cuanto a video, pero no queríamos dejar de mostrar algo de esta banda. Seguramente sabrán disculparnos.
Secuencia Inicial.-